Phoenix 24
En un país donde la incertidumbre económica marca la vida cotidiana, un artista tucumano utiliza los restos de su propio taller para reescribir la memoria visual de su tiempo.
Buenos Aires / agosto de 2025 — En pleno corazón de San Telmo, entre adoquines históricos y talleres en crisis, Andrés Sobrino encontró en la escasez un recurso creativo inesperado. Durante el desmantelamiento de su espacio de trabajo, aparecieron lienzos inconclusos, maderas olvidadas y pinturas a medio usar. Lo que para muchos sería simple desecho, para él se convirtió en detonante de una nueva etapa artística: repintar sobre lo ya pintado, resignificar los residuos y transformar lo precario en afirmación estética.
El resultado de ese proceso es doble. Por un lado, la muestra Nadie está invitado, compuesta por 42 obras que revelan capas ocultas de su propia biografía artística. Por otro, This is not an iceberg, un conjunto de esculturas de madera que dialogan con el legado de Roberto Aizenberg, desafiando la gravedad con estructuras verticales que parecen guardianes de silencio. Ambas exhibiciones conviven en la galería Towpyha y muestran la coherencia de una búsqueda donde la carencia no es obstáculo, sino motor de experimentación.
En “Nadie está invitado” se reúnen 42 pinturas inéditas
El gesto de Sobrino no es improvisado. “No podía comprar nuevos lienzos ni materiales, así que miré hacia atrás y comprendí que mis restos también eran mi futuro”, comentó en diálogo con críticos locales. Esa mirada resignificadora se traduce en cuadros donde los rastros del tiempo permanecen visibles: firmas tachadas, fechas modificadas, texturas de capas anteriores que no se borran sino que se exhiben como cicatrices. En una obra marcada originalmente en 2022, aparece ahora un “2025” escrito encima, como testimonio de continuidad. Según la curadora Marcela Astudillo, “estas pinturas no niegan sus vidas pasadas, las resucitan”.
La práctica de repintar, lejos de ser mero recurso técnico, encierra una crítica sutil a la lógica del mercado del arte. En un circuito donde la originalidad suele medirse por su valor de intercambio, Sobrino subvierte la expectativa: su obra no nace de lo nuevo, sino de lo persistente. Cada cuadro es, en esencia, un palimpsesto visual que cuestiona el fetiche de la obra única. El residuo se convierte en archivo, y el error en posibilidad.
El trasfondo de esta propuesta no es ajeno al contexto argentino. Con un país atravesado por ciclos de crisis económicas y recortes en el sector cultural, el artista transforma la precariedad en mensaje. Su gesto encaja en una tradición latinoamericana donde la creatividad ha sido muchas veces respuesta a la escasez. Tal como lo plantean historiadores del arte de la región, la austeridad ha dado origen a movimientos estéticos que desafían las narrativas hegemónicas europeas y norteamericanas. En esa línea, la obra de Sobrino se vuelve tanto un ejercicio plástico como un acto político de resistencia.
El impacto de la exposición también dialoga con tendencias globales. En ciudades como Berlín, Tokio o Ciudad de México, museos y colectivos han impulsado prácticas similares de reutilización artística bajo discursos de sostenibilidad. La diferencia, en el caso argentino, es que el gesto surge no como moda, sino como necesidad vital. Este contraste revela cómo la crisis, en contextos periféricos, no solo condiciona la producción artística sino que la define.
Repintar el pasado: la reinvención creativa de Andrés Sobrino en tiempos de crisis
Las esculturas de madera que integran This is not an iceberg refuerzan ese planteamiento. Construidas con piezas descartadas, alcanzan una austeridad formal que recuerda la obra de Aizenberg, maestro de lo enigmático en la plástica argentina. Lejos de lo monumental, estas figuras sugieren un silencio cargado de simbolismo: son guardianes de lo que permanece cuando todo parece derrumbarse.
La crítica especializada ha señalado que el trabajo de Sobrino opera como una arqueología de sí mismo. Cada trazo recuperado es una excavación en su propia memoria. Al dejar visibles los rastros del tiempo, el artista coloca al espectador frente a la incomodidad de aceptar lo inacabado y lo reciclado como legítima expresión contemporánea. En un mundo saturado de imágenes rápidas y desechables, su apuesta por el rescate de lo olvidado abre un espacio para la pausa y la reflexión.
La galería Towpyha, que exhibe las muestras hasta septiembre, ha convertido el proyecto en un punto de encuentro para debates más amplios sobre arte y crisis. Colectivos culturales han aprovechado las funciones paralelas para discutir el rol del artista como mediador entre la precariedad social y la necesidad de imaginar horizontes nuevos.
Así, repintar el pasado no es solamente un ejercicio plástico, sino también un recordatorio de que la cultura argentina, incluso en su fragilidad, es capaz de reinventarse. En cada capa recuperada se enciende una resistencia silenciosa que transforma el residuo en memoria y la carencia en posibilidad estética.
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